Esta vez, comienzo compartiendo con ustedes homenaje a uno de esos raros personajes que han contribuido a la construcción del imaginario del colectivo humano en todo el orbe. No es poca cosa.
Buscando material para ilustrar un par de tuits el 8 de noviembre pasado, día en que se celebró el 165 aniversario de su nacimiento, me encontré cautivada (¡una vez más!) por las figuras del escritor y del mito.
Sin más, les dejo aquí con el genial Bram Stocker.
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| Bram Stoker FUNDACIÓN LUIS SEOANE |
Bram Stoker fue el primero en perfilar lo que hoy conocemos como vampiro moderno en el momento en el que engendró el personaje principal de su gran obra maestra.
Oscar Wilde dijo de la novela de Bram Stoker que era la más bella escrita jamás, pero fue realmente el magnetismo del icono del vampiro, que cambió radicalmente con Bram Stoker, lo que catapultó y al mismo tiempo eclipsó a su autor, convirtiéndolo en el claro ejemplo de creador devorado por la criatura.
Drácula de Bram Stoker no fue solo una obra literaria de la época victoriana. Fue mucho más. La pluma de Bram Stoker desencadenó una efervescente pasión por el folclore rumano, el ocultismo, los orígenes de este personaje de ficción marcado por su cercanía a la muerte, a la sangre, a la enfermedad y al erotismo.
[...] Bram Stoker sentó el canon iconográfico al tomar la tradición folclórica y tamizarla en el cedazo de los modelos de corte aristocrático creados por Polidori (secretario de Byron) y Rumer. Una imagen que está muy próxima a la que Murnau le confiere a Nosferatu en su filme de 1922, en parte gracias a la genial interpretación de Max Schreck. Inspirada directamente en Drácula (el cineasta cambió el nombre para evitar responder por los derechos de autor ante la viuda de Bram Stoker), esta cima de la escuela expresionista alemana inaugura la fulgurante carrera cinematográfica del personaje. La aportación posterior de Bela Lugosi (dirigido en 1931 por Tod Browning) será definitiva en el esfuerzo por profundizar en la humanización: la dignidad mortificada del héroe trágico acerca a Drácula al seductor clásico, que ya en contadas ocasiones aparecerá como un ser abyecto y horrendo. La recreación de Coppola de 1992, Drácula, de Bram Stoker, sí dará a Gary Oldman esa tortura física de la transformación cual remedo del doctor Jekyll y míster Hyde."
Fuente: http://www.lavozdegalicia.es/noticia/informacion/2012/06/02/bram-stoker-autor-catapultado-vampiro-dracula/0003_201206SC2P2993.htm
Entre el excelente material que me encontré por la red, pesqué un comentario acerca de la novela que deseo compartir aquí :
Drácula, de Bram Stoker: novela imprescindible
P. Roberto J.
28 de agosto de 2008 | 13:52
"Seguro que algunos leeréis el título y diréis: “pues claro, ¿qué se piensa éste? ¿Que nos descubre el mundo?”. Y ya, ya cuento con que muchos de vosotros sepáis muchísimo sobre Drácula y los vampiros, pero no es tan obvio que haya que leer la novela de Bram Stoker. Sí, es un clásico, pero ¿cuánta gente que la conoce la ha leído realmente? [...]
... por muchas películas sobre el conde más famoso de Transilvania que hayáis visto, por mucho que sepáis sobre vampiros, leer el Drácula original por primera vez depara más sorpresas que casi cualquier otra novela o película de terror. Quizás sea que nadie ha sabido traspasar la complejidad de la historia o, posiblemente, que la original narrativa de Stoker funciona en papel mejor que cualquiera de sus adaptaciones.
Contada al modo epistolar, la historia de Drácula quiere tener la máxima verosimilitud, aparentar que fue real o pudo serlo. Stoker, aparentemente, se limita a hacer de recopilador y a recoger los fragmentos de diarios, de grabaciones fonográficas, de reportajes de periódicos o de documentos oficiales para recoger todos los puntos de vista sobre un mismo suceso: el viaje de ida y vuelta que el Conde Drácula hace de su castillo en Rumanía a Londres, donde pretende residir a partir de ahora, asesorada por el joven procurado Jonathan Harker.
En cierto modo, la novela es como los falsos documentales de terror: la Bruja de Blair, Monstruoso, Holocausto Caníbal… Se apoya en documentos de terceras personas para dar la sensación de que aquello ha sucedido."
Fuente: http://www.zonafandom.com/literatura-terror/dracula-de-bram-stoker-novela-imprescindible
Para completar el cuadro, quiero incluir una de las películas más grandiosas que he tenido la fortuna de presenciar.
La experiencia resultó a un tiempo mágica, arrebatadora, perturbadora y sensual... en resumen: formidable.
Resulta que la actriz principal, Winona Ryder, fué la causante de que el gran Francis Ford Coppola se metiera de cabeza en el proyecto que dió a luz este portento.
"Ryder se presentó ante Coppola con un guión: era la adaptación de la novela “Drácula”, a cargo de un joven guionista de 31 años llamado James V.Hart, cuyo mayor logro hasta la fecha había sido escribir “Hook”, una de las películas menores de Steven Spielberg. A pesar de sus reticencias, Coppola decidió hacerse cargo del proyecto, y de la manita con Winona se fue a buscar financiación. Pero los malos resultados económicos de Coppola en los últimos años jugaron en su contra, y cuando consiguió que un estudio -en este caso, Columbia- se decidiera a poner dinero para la película (gracias al aval de la presencia de Winona Ryder, que por aquel entonces era una de las mayores estrellas que había en Hollywood), sólo consiguió unos paupérrimos 40 millones de dólares. [...]
Paradójicamente, esa falta de presupuesto hizo salir a la luz al mejor Coppola. El director de Detroit agudizó su inventiva, y consiguió sacar adelante la película contando con una sola estrella -Ryder-, pero con actores de sólido prestigio, mayoritariamente británicos, como Gary Oldman, Anthony Hopkins (que acababa de ganar el Oscar por su magistral interpretación de Hannibal Lecter en “El Silencio de los Corderos”), Richard E.Grant, Cary Elwes (el inolvidable Westley de “La Princesa Prometida”) o el cantante Tom Waits (cuyo Renfield no ha sido, ni será, igualado jamás), y se decidió rodar íntegramente en estudio.
Además, evitó contratar a técnicos excesivamente conocidos, lo que le salió redondo: contrató al compositor polaco Wojciech Kilar, que llevaba desde los años ’50 trabajando en el cine de su país pero apenas era conocido en Hollywood, para que creara la extraordinaria banda sonora que acompaña a la película; a un diseñador de producción novato, Thomas Sanders, en sustitución del más caro Dante Ferretti; y a la diseñadora japonesa Eiko Ishioka para que creara ese sueño que son los trajes que aparecen en el film. Sin saberlo, Coppola había conseguido tres de los elementos que harían famosa a su película por un precio irrisorio.
Más preocupante era lo que hacía referencia a los efectos especiales, puesto que una película de las características de “Drácula de Bram Stoker” requería de gran utilización de FX. Tampoco se arredró Coppola ante esto, y optó por eliminar de raíz el CGI: cuando vemos cosas como los ojos de Drácula tras la ventanilla del tren, los juegos de sombras o las superposiciones de imágenes, estamos viendo trucos de cámara, al más puro estilo de los que Murnau había utilizado 70 años antes para rodar “Nosferatu”. Para ejemplo un botón: en lugar de utilizar una maqueta del castillo (que habría salido bastante cara), Coppola pegó una imagen del mismo con vaselina a la lente de la cámara."
Fuente: http://cinefreaks.wordpress.com/2010/01/25/galeria-de-clasicos-dracula-de-bram-stoker/
Bram Stoker's Dracula
AÑO: 1992
PAÍS: USA
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
FOTOGRAFÍA: Michael Ballhaus
REPARTO: Gary Oldman, Anthony Hopkins, Winona Ryder, Keanu Reeves, Cary Elwes, Monica Bellucci, Sadie Frost, Tom Waits, Bill Campbell, Richard E. Grant
Se ha escrito y dicho mucho acerca de la fidelidad, o falta de ella, que guarda el guión a la novela. Es verdad que se aparta en más de un sentido. A mi juicio, precisamente en la suma del personaje de Stocker y esas diferencias radica la excelencia de esta obra de arte cinematográfica, amén de la inventiva de Coppola y el espléndido reparto.
Sugiero verla en su idioma original, a oscuras y en la pantalla más grande que puedas conseguir.
Ahora, demos un salto cuántico y pasemos a la Música...
Resulta que a principios de octubre, mi querida amiga P me encargó que le armara una selección de música retro, con una lista de su elección bastante singular. Realmente me planteó un reto, pues era claro que me lo encargó a mí porque quería un resultado armonioso, de calidad.
La lista era demasiado corta para mi gusto. Una vez que ella agregó un par de cosas más, respondiendo a mis ruegos, me indicó que la completara a mi elección.
La cosa tardó casi 3 semanas en cuajar en mi cabeza, en parte porque algunas de esas rolas no son precisamente de mi agrado. De cualquier modo fui reuniendo el material poco a poco.
Finalmente, una tarde agarré al toro por los cuernos y me senté a trabajar en el asunto, el resultado me hizo sentir muy satisfecha y a ella le encantó. Según sus palabras le hice el día cuando escuchó el CD que le entregué con lo que había pedido.
Y nada... que terminó por gustarme a mi también.
Es por eso que me decidí a compartir con ustedes esta compilación de música blues, surf, rock&roll, pop y otras lindezas que van de la década de los 50´s hasta los 80´s del siglo pasado.
Comparto con ustedes: Música A Medida
(EUA, 1958)
Fever (Ver. 1958) - Peggy Lee
Peggy Lee
"Por Obed Rojas. Comparada con las grandes cantantes del jazz como Billie Holliday, Peggy Lee creó un seductor estilo que cautivó hasta el público más exigente. Formó una sólida trayectoria que traspasó las barreras musicales para explorar algunas áreas como la actuación, sin hacer a un lado su talento en la composición.
Influenciada por el jazz y el blues, Peggy Lee hizo algunos experimentos con la música popular que la permitieron ganarse el reconocimiento como una leyenda, o como algunos críticos la llamaron, la gran dama blanca del jazz.
Entre sus grandes logros se pueden mencionar sus más de sesenta materiales discográficos, así como algunas actuaciones en producciones de Hollywood y Broadway, las cuales le valieron para ser nominada a un premio Oscar como mejor actriz de reparto, entre numeroso reconocimientos.
[...]
Jamestown, Dakota del Norte, 26 de mayo de 1920, una pareja de emigrantes escandinavos vieron nacer al séptimo de sus ocho hijos, Norma Deloris Egstrom, quien mas tarde sería conocida como Peggy Lee. Su infancia estuvo plagada de momentos difíciles, a la edad de cuatro años enfrentó la muerte de su madre y posteriormente el maltrato físico por parte de su madrastra. Su padre, quien trabajaba en la estación de ferrocarril del pueblo cayó en un alcoholismo que con el tiempo le hizo perder su empleo, por lo que la pequeña tuvo que buscar la forma de obtener algo de dinero en diversos trabajos: en el ferrocarril, en granjas, en un restaurante y finalmente a la edad de catorce años tuvo su acercamiento a la música como cantante en la radio local.
Desde sus primeros días como vocalista mostró un natural talento que pronto llamo la atención de la gente del pueblo y de sus profesores, quienes le aconsejaban que educara su voz para convertirse en una gran estrella. Lee decidió hacer un viaje a California para probar suerte en los escenarios del Estado Dorado. Aunque pudo presentarse en el famoso club “Jade Room”, ubicado en el Hollywood Boulevard, desafortunadamente no obtuvo los resultados esperados y al poco tiempo regresó a su pueblo natal para planear otro intento, esta vez el objetivo sería la ciudad de Fargo, donde tuvo la oportunidad de trabajar como cantante en la estación de radio “WDAY”, cuyo gerente le dio el sobrenombre de “Peggy Lee”.
[...]
...cuando se mudó a la ciudad de Minneapolis, donde se integró a la Sev Olsen´s band para después ingresar a la orquesta de Will Osborne, con quien tuvo la oportunidad de ofrecer un concierto en el lujoso club “Doll House”, ubicado en la región de Palm Springs en el estado de Chicago. Dicha presentación le permitió colocarse dentro de las preferencias del público gracias a un suave estilo que sedujo hasta las más duras exigencias.
“Esa noche fue paradójica, en un principio la gente parecía no importarle mi trabajo, en el lugar se podían oír más los murmullos de la multitud que mi voz, por lo que se me ocurrió bajar el tono hasta que casi no se oyera, como un susurro; en ese momento guardaron silencio y me prestaron atención. Al final todo salió bien, las personas se pusieron de pie y me brindaron una fuerte ovación. Creo que eso me permitió desarrollar una técnica que se convertiría en mi sello personal, un canto suave y fresco”
[...]
1953 le proporcionó a Lee la oportunidad de grabar el que sería su álbum más jazzistico y que es considerado como su obra maestra. El material, que lleva por nombre “Black Coffe”, incluyó la colaboración de un trío conformado por el pianista Jimmy Rowles, el contrabajista, Max Wayne y el baterista Ed Shaughnessy. Actualmente esa producción ha sido remasterizada y lanzada a la venta en formato de CD bajo el sello Verve Music.
[...]
A pesar del fracaso de su matrimonio con Dave Barbour la relación musical entre la pareja no fue del todo corrompida, como ejemplo tenemos el trabajo que el guitarrista hizo en los arreglos del tema “Fever”, original de Eddie Cooley y John Davenport, y que Peggy Lee ofreció en el álbum que marcó su regreso a Capitol Records. El tema, que da muestra de su enorme habilidad para el fraseo rítmico, fue la causa de que la cantante obtuviera su tercer disco de oro y se colocara como una leyenda del jazz.
A lo largo de su carrera el perfeccionismo fue algo que caracterizó la forma de trabajar de Lee, posiblemente esa ambición provino de su asociación con Benny Goodman, quien siempre exigía lo mejor para cada presentación. La cantante planeaba cada desplazamiento en el escenario, desde el movimiento de sus manos hasta su mirada. Esa presión por la excelencia le trajo muchos problemas de salud; para finales de la década de los cincuenta Lee sufrió los primeros efectos de una deficiencia cardiaca y tuvo que ser hospitalizada en dos ocasiones.
[...]
Para 1998 Lee sufrió otra crisis que le provoco serios daños en su lenguaje, por lo que tuvo que recibir terapia para recuperar sus capacidad de hablar. A la edad de 81 años, el 21 de enero de 2002, cuando se encontraba descansando en su residencia de Bel Air en compañía de su familia, esta gran dama del jazz sufrió otro ataque al corazón que desgraciadamente logró quitarle la vida.
Su muerte dejó una profunda ausencia en el campo de la actuación, la composición y por su puesto en la historia de Los Personajes de la Música.
Descanse en paz Norma Deloris Egstrom, Peggy Lee."
(EUA, 1958)
Tequila - The Champs
(Alemania, 1962)
Afrikaan Beat - Bert Kaempfert
Because - The Dave Clark Five
(Madagascar, 1964)
Tú serás mi baby (Be my baby) - Les Surfs
"Les Surfs fue un grupo musical procedente de Madagascar que gozó de gran popularidad en el mundo francófono y en el de habla hispana en los años sesenta. Su mayor éxito fue la adaptación al francés y español del éxito de The Ronettes Be My Baby, titulado en español Tú serás mi baby. Estuvieron juntos a partir de 1963 y hasta 1971.
La andadura del grupo comenzó el 14 de octubre de 1958 cuando cuatro hermanos y dos hermanas provenientes de una familia malgache se unieron con el nombre de Rabaraona Frères et Soeurs y ganaron un concurso organizado por la estación Radio Tananarive, interpretando temas de The Platters. El conjunto cambió de nombre a Les Beryls y comenzó una serie de giras por su país natal, que acrecentaron su popularidad. En septiembre de 1963, los hermanos fueron elegidos para representar a Madagascar -a petición del gobierno francés- en la inauguración de la segunda cadena televisiva en París. Conquistaron así la simpatía del pueblo francés, y el sello fonográfico Disques Festival, en la persona de Roger Marouani, los contrató casi inmediatamente, quedando en manos de Jean-Louis Rafidy, quien se convirtió en su representante.
Una vez contratados por Disques Festival, cambiaron su nombre por el de Les Surfs, en referencia al nuevo ritmo americano que hizo su aparición por aquellos años, el Surf. Su primer éxito fue Reviens vite et oublie y con él iniciaron una gira junto a la cantante Sheila. Su corta estatura (1.48m en promedio) no fue impedimento para convertirse en grandes figuras de la canción. Lograron el éxito en los países de habla hispana con su versión de las Ronettes, Tú serás mi baby. En el Olympia de París se consagraron como "ídolos de la juventud", y fueron jaleados como la gran revelación del año en Francia. Su recorrido exitoso los llevó a Europa (Francia, España Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América. Participaron cuatro veces en el Festival de San Remo y tres veces en el Festival de Montreaux en Suiza, e hicieron algunas incursiones en el cine y la televisión. Compartieron el escenario con diversas luminarias internacionales de la época. Su presencia en los medios se prolongó hasta principios de los 70. Los cambios en las modas musicales comenzaron a limitar sus actuaciones, además de la nueva condición de Monique y Nicole, que se habían convertido en madres de familia. Monique tuvo 3 hijos y Nicole otros tres.
En 1971, tras concluir una gira por las Antillas y Canadá, decidieron separarse. En Quebec, Monique, la cantante principal, y su hermano Rocky prosiguieron una carrera como el dúo Rocky et Monique, que duró dos años (1979-1982). Después Monique regresó a Francia y poco después a Madagascar. Allí se reunió con cuatro de sus hermanos (Roland, Remy, Luc et Dominique) y en 1989 se lanzaron al mundo del espectáculo bajo el nombre de Surfs-Feedback, con el objetivo de participar de nuevo en emisiones televisivas. Monique falleció el 15 de noviembre de 1993 y Nicole el 5 de mayo del 2000. Rocky siguió actuando en solitario como "Rocky des Surfs", presentando el espectáculo Il etait une fois...Les Surfs (Érase una vez... Les Surfs). Efectuó numerosas giras por Madagascar, acompañado por Surfs Feed back, y viajó ocasionalmente a Francia.
Posteriormente, reformó el grupo de Les Surfs integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc e incorporando a sus dos sobrinas Jackya y Mirana, renombrándolo Les Surfs2, aunque siguió actuando en solitario para no interferir en el desarrollo de esta última formación."
Monique (Monikya), nacido el 08 de mayo 1945, murió el 15 de noviembre 1993
Nicole nacido 21 de julio 1946, murió el 05 de mayo 2000
Coco nacido el 19 de junio 1939
Pat nacido 13 de abril 1941
Rocky nacido el 07 de mayo 1942
Dave nacido 04 de diciembre 1943
Reviens Vite et Oublie (Be My Baby) - Les Surfs
(EUA, 1966)
Secret agent man - Johnny Rivers
"...And I Know You Wanna Dance fué el quinto álbum oficial de Johnny Rivers, tal como los anteriores fué grabado en vivo en el Whisky a Go Go de Los Angeles, California. El álbum alcanzó el #52 en las listas Billboard e incluye la más famosa grabación de "Secret Agent Man" la cual llegó a ocupar el #3 en la Billboard Hot 100."
(EUA, 1966)
These Boots Are Made For Walkin - Nancy Sinatra
"These Boots Are Made for Walkin' (en español: Estas botas están hechas para caminar) es una canción clásica del pop de la década de 1960. Fue compuesta por Lee Hazlewood expresamente para la hija de Frank Sinatra, Nancy Sinatra. La canción supuso el mayor éxito de Nancy y ha sido versionada después por múltiples estrellas como Yuna Ito, Amanda Lear o Jessica Simpson. La famosa Madonna admitió que Nancy Sinatra fue una de las estrellas que admiró en su niñez, y que solía bailar esta canción subida a las mesas."
I´m a Believer - The Monkees
(México, 1968)
Házme una señal - Roberto Jordán
Mi Gran Noche - Raphael
(Italia, 1964)
Datemi un Martello (cover of If I had a hammer) - Rita Pavone
(EUA, 1964)
Surfin´ Bird - The Trashmen
(UK, 1970)
In The Summertime - Mungo Jerry
Sugar Sugar - The Archies
"Los Archies fueron una banda ficticia de bubblegum pop, respaldada por músicos reales de estudio, integrada por los personajes Archie Gómez, Carlos Marín y Torombolo (en la versión en español), un grupo de personajes adolescentes ficticios del universo cómic "Archie", en el contexto de la serie animada de televisión "El Show de Archie y sus amigos".
Los Archies fueron el antecedente de bandas de ficción como Gorillaz o La Casa Azul, que muestran dibujos animados interpretando temas musicales."
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/The_Archies
(EUA, 2008)
Fever - Elvis Presley (1977)
(EUA, 1981)
Boy From New York City - The Manhattan Transfer
Emotions - Samantha Sang (Feat. The Bee Gees)
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| Foto subida por: BooBoo |
Fever (Live TV en algún momento de los 70´s) - Peggy Lee
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Aquí termina por hoy.
Deseo lo hayas disfrutado tanto o más que yo.
Si es así, por favor déjame un comentario.
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